sábado, 28 de fevereiro de 2009

O Tambor - 1979

Na cidade de Danzig na Alemanha, entre os anos de 1920 e 1930, logo após o nascimento de Oskar Matzerath (David Bennent), sua mãe lhe promete que quando completasse três anos ele ganharia um tambor de latão. E, no dia da comemoração de seu aniversário, após presenciar os jogos sexuais anormais entre sua mãe e seu primo com quem mantinha um caso, Oskar decide que não cresceria mais e se atira pela escada da adega. Isso não o mata, mas provoca uma condição que impede seu crescimento. Quando seu padrasto e vários professores tentam tirar dele seu adorado tambor de latão, Oskar demonstra todo seu talento bizarro em, com um grito muito agudo, quebrar vidros. Enquanto isso, o movimento nazista está crescendo na Alemanha e o padrasto de Oskar se junta ao partido...

Oscar de melhor filme estrangeiro de 1980

Direção: Volker Schlöndorff
Produção: Franz Seitz Anatole Dauman
Roteiro: Volker Schlöndorff, Jean-Claude Carrière e Franz Seitz, baseado no livro de Gunther Grass

Elenco:
Mario Adorf
Angela Winkler
David Bennent
Katharina Thalbach
Charles Aznavour

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Morte em Veneza - 1971

Um compositor austríaco vai para Veneza em busca de repouso. Lá ele se apaixona por um jovem, que está em férias com a família. Dirigido por Luchino Visconti (Os Deuses Malditos) e com Dirk Bogarde no elenco. Recebeu uma indicação ao Oscar.

Sinopse
Início do século XX. Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde) é um compositor austríaco que vai para Veneza buscando repouso, após um período de estresse artístico e pessoal. Porém ele não encontra a paz desejada, pois logo desenvolve uma paixão por um jovem, Tadzio (Björn Andrésen), que está em férias com sua família. Tadzio incorpora o ideal de beleza que von Aschenbach sempre imaginou e pensa em ir embora antes de cometer um ato impensado, mas sua bagagem foi para outra cidade, obrigando-o a permanecer ali. Além disto a cólera asiática começa a chegar em Veneza.

Premiações
- Recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Figurino.

- Ganhou 4 prêmios no BAFTA, nas categorias de Melhor Figurino, Melhor Direção de Arte, Melhor Fotografia e Melhor Trilha Sonora. Foi ainda indicado nas categorias de Melhor Filme, Melhor Diretor e Melhor Ator (Dirk Bogarde).

- Ganhou o Prêmio Bodil de Melhor Filme Europeu.

- Ganhou o Prêmio do 25º Aniversário, no Festival de Cannes.


Curiosidades
- O personagem Gustav von Aschenbach foi oferecido a Burt Lancaster, que o recusou.

- Este é o 2º filme em que o diretor Luchino Visconti e o ator Dirk Bogarde trabalharam juntos. O anterior foi Os Deuses Malditos (1969).

- Dirk Bogarde baseou sua aparência no compositor Gustav Mahler.

- Björn Andrésen foi dublado, já que era um ator sueco que estava interpretando um personagem polonês.

- No livro de Thomas Mann, o qual Morte em Veneza é baseado, o personagem Gustav von Aschenbach é um autor, enquanto que no filme ele é um compositor.

Ficha Técnica
Título Original: Morte a Venezia
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 130 minutos
Ano de Lançamento (Itália): 1971
Estúdio: Alfa Cinematografica
Distribuição: Warner Bros. Pictures
Direção: Luchino Visconti
Roteiro: Nicola Badalucco e Luchino Visconti, baseado em livro de Thomas Mann
Produção: Luchino Visconti
Fotografia: Pasqualino De Santis
Desenho de Produção: Nedo Azzini
Direção de Arte: Ferdinando Scarfiotti
Figurino: Piero Tosi
Edição: Ruggero Mastroianni


Elenco
Dirk Bogarde (Gustav von Aschenbach)
Mark Burns (Alfred)
Marisa Berenson (Frau von Aschenbach)
Carole André (Esmeralda)
Björn Andrésen (Tadzio)
Silvana Mangano (Mãe de Tadzio)
Leslie French (Agente de viagem)
Nora Ricci (Governanta)
Romolo Valli (Gerente do hotel)

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Butch Cassidy - 1969

Perseguida pela lei, uma das mais famosas duplas de assaltantes do Velho Oeste foge para a Bolívia, mas logo enfrenta problemas com a polícia local. Dirigido por George Roy Hill (A garota do tambor) e com Paul Newman e Robert Redford no elenco. Vencedor de 4 Oscars.

Sinopse
Dois amigos inseparáveis, Butch (um ex-açougueiro, daí o nome) Cassidy (Paul Newman) e Sundance Kid (Robert Redford), lideram o Bando do Buraco na Parede e vivem de assaltar trens e bancos. Quando são caçados por todo o país resolvem ir para a Bolívia e juntamente com Etta (Katharine Ross), a namorada de Sundance, rumam para a América do Sul. Mas esta decisão não lhes proporcionará grandes assaltos ou uma vida mais tranquila.

Premiações
- Ganhou 4 Oscars, nas seguintes categorias: Melhor Roteiro Original, Melhor Fotografia, Melhor Trilha Sonora e Melhor Canção Original ("Raindrops Keep Fallin' on My Way"). Recebeu ainda outras 3 indicações, nas seguintes categorias: Melhor Filme, Melhor Diretor e Melhor Som.

- Ganhou o Globo de Ouro na categoria de Melhor Trilha Sonora, além de receber outras 3 indicações, nas seguintes categorias: Melhor Filme - Drama, Melhor Canção Original ("Raindrops Keep Fallin' on My Way") e Melhor Roteiro.

- Ganhou 8 prêmios no BAFTA, nas seguintes categorias: Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Ator (Robert Redford), Melhor Atriz (Katharine Ross), Melhor Fotografia, Melhor Trilha Sonora, Melhor Roteiro e Melhor Edição. Recebeu ainda mais uma indicação, na categoria de Melhor Ator (Paul Newman).

- Ganhou o Grammy na categoria de Melhor Trilha Sonora Composta Para um Filme ou Programa de TV.


Curiosidades
- O personagem Sundance Kid foi oferecido e aceito pelo ator Steve McQueen. Com isso, Butch Cassidy seria o primeiro filme em que Newman e McQueen estrelariam juntos, até que houve o problema de qual nome apareceria primeiro nos créditos do filme. Como tanto McQueen quanto Newman estavam no auge de suas carreiras, surgiu a proposta de que os nomes dos dois aparecessem antes do título do filme, o que daria uma idéia de igualdade. Newman concordou com a idéia mas McQueen desconfiou que a proposta fosse na verdade um truque e, com isso, resolveu desistir do filme.

- O ator Warren Beatty recusou o personagem Sundance Kid para poder atuar em Jogo de Paixões.

- O diretor George Roy Hill originalmente escalou Paul Newman como Sundance Kid e Robert Redford como Butch Cassidy. Foi o próprio Robert Redford quem sugeriu que ele e Newman trocassem os personagens, sugestão esta aceita pelo diretor e também por Paul Newman.

Ficha Técnica
Título Original: Butch Cassidy and the Sundance Kid
Gênero: Faroeste
Tempo de Duração: 112 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1969
Estúdio: 20th Century Fox / Campanile
Distribuição: 20th Century Fox Film Corporation
Direção: George Roy Hill
Roteiro: William Goldman
Produção: John Foreman
Música: Burt Bacarach
Fotografia: Conrad L. Hall
Direção de Arte: Philip M. Jefferis e Jack Martin Smith
Figurino: Edith Head
Edição: John C. Howard e Richard C. Meyer


Elenco
Paul Newman (Butch Cassidy)
Robert Redford (Sundance Kid)
Katharine Ross (Etta Place)
Strother Martin (Percy Garris)
Henry Jones (Vendedor de bicicletas)
Jeff Corey (Xerife Steve Bledsoe)
George Furth (Woodcock)
Cloris Leachman (Agnes)
Ted Cassidy (Harvey Logan)
Kenneth Mars (Marechal)
Donelly Rhodes (Macon)

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O Sol é para Todos - 1962

Um advogado de uma pequena cidade do sul dos Estados Unidos recebe a tarefa de defender um homem negro injustamente acusado de ter estuprado uma jovem branca. Com Gregory Peck. Vencedor de 3 Oscars.

Sinopse
Jean Louise Finch (Mary Badham) recorda que em 1932, quando tinha seis anos, Macomb, no Alabama, já era um lugarejo velho. Nesta época Tom Robinson (Brock Peters), um jovem negro, foi acusado de estuprar Mayella Violet Ewell (Collin Wilcox Paxton), uma jovem branca. Seu pai, Atticus Finch (Gregory Peck), um advogado extremamente íntegro, concordou em defendê-lo e, apesar de boa parte da cidade ser contra sua posição, ele decidiu ir adiante e fazer de tudo para absolver o réu.


Premiações
- Ganhou 3 Oscars: Melhor Ator (Gregory Peck), Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Direção de Arte - Preto e Branco, além de ter sido indicado em outras 5 categorias: Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Atriz Coadjuvante (Mary Badham), Melhor Trilha Sonora e Melhor Fotografia - Preto e Branco.

- Vencedor de 2 Globos de Ouro, nas categorias de Melhor Ator (Gregory Peck) e Melhor Trilha Sonora.


Curiosidades
- O Sol É Para Todos é a estréia do ator Robert Duvall no cinema.

- Para interpretar o personagem Arthur Radley, Robert Duvall ficou seis semanas sem pegar sol, já que o personagem estava há muito tempo em reclusão e não poderia aparecer bronzeado.

Ficha Técnica
Título Original: To Kill a Mockingbird
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 129 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1962
Estúdio: Universal International Pictures / Pakula-Mulligan, Brentwood Productions
Distribuição: Universal-International
Direção: Robert Mulligan
Roteiro: Horton Foote, baseado em livro de Harper Lee
Produção: Alan J. Pakula
Música: Elmer Bernstein
Direção de Fotografia: Russell Harlan
Direção de Arte: Henry Bumstead
Figurino: Rosemary Odell
Edição: Aaron Stell


Elenco
Gregory Peck (Atticus Finch)
John Megna (Dill Harris)
Frank Overton (Xerife Heck Tate)
Rosemary Murphy (Miss Maudie Atkinson)
Ruth White (Sra. Dubose)
Brock Peters (Tom Robinson)
Estelle Evans (Calpurnia)
Paul Fix (Juiz Taylor)
Collin Wilcox Paxton (Mayella Violet Ewell)
James Anderson (Bob Ewell)
Alice Ghostley (Stephanie Crawford)
Robert Duvall (Arthur Radley)
Mary Badham (Jean Louise Finch)
Phillip Alford (Jem Finch)

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A Malvada - 1950

O diretor Joseph L. Mankiewicz conta a história de Eve Harrington, mostrando sua trajetória até se tornar uma grande personalidade. Com Bette Davis, Anne Baxter e Marilyn Monroe. Vencedor de 6 Oscars.

Sinopse
Na noite de entrega do prêmio Sarah Siddons, todas as atenções se voltam para Eve Harrington (Anne Baxter). Utilizando o flashback, a vida de Eve é revelada, desde quando conheceu e foi contratada como secretária de Margo Channing (Bette Davis), uma grande estrela da Broadway, até ela mesma alcançar o estrelato.

Premiações
- Recebeu 6 Oscars: Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Roteiro, Melhor Ator Coadjuvante (George Sanders), Melhor Figurino em Preto e Branco e Melhor Som. Foi ainda indicado nas seguintes categorias: Melhor Atriz (Bette Davis e Anne Baxter), Melhor Atriz Coadjuvante (Celeste Holm e Thelma Ritter), Melhor Direção de Arte em Preto e Branco, Melhor Fotografia em Preto e Branco, Melhor Edição e Melhor Trilha Sonora.

- Ganhou o Globo de Ouro de Melhor Roteiro.

- Ganhou o Prêmio Especial do Júri e o Prêmio de Melhor Atriz (Bette Davis), no Festival de Cannes.


Curiosidades
- Originalmente, a personagem Margo Channing seria interpretada pela atriz Claudette Colbert, que foi obrigada a desistir do papel devido a um acidente com ela ocorrido. Outros nomes que estiveram cotados para o papel foram os de Marlene Dietrich e Gertrude Lawrence.

- A Malvada é um dos filmes recordistas em número de indicações ao Oscar. Assim como Titanic, o filme recebeu 14 indicações.

- Apesar de seu nome estar nos créditos de A Malvada, o ator Eddie Fisher não aparece no filme. A única cena em que ele participava foi cortada na edição final do filme.

- Em 1970, A Malvada foi adaptada para se tornar um musical estrelado na Broadway, sob o título "Applause". Na época, a personagem Margo Channing foi interpretada pela atriz Lauren Bacall.

Ficha Técnica
Título Original: All About Eve
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 138 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1950
Estúdio: 20th Century Fox
Distribuição: 20th Century Fox
Direção: Joseph L. Mankiewicz
Roteiro: Joseph L. Mankiewicz
Produção: Darryl F. Zanuck
Música: Alfred Newman
Direção de Fotografia: Milton R. Krasner
Direção de Arte: George W. Davis e Lyle R. Wheeler
Figurino: Edith Head
Edição: Barbara McLean


Elenco
Bette Davis (Margo Channing)
Anne Baxter (Eve Harrington)
George Sanders (Addison De Witt)
Celeste Holm (Karen Richards)
Gary Merrill (Bill Sampson)
Hugh Marlowe (Lloyd Richards)
Gregory Ratoff (Max Fabian)
Barbara Bates (Phoebe)
Marilyn Monroe (Claudia Caswell)
Thelma Ritter (Birdie)
Walter Hampden

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Sindicato de Ladrões - 1954

Um sindicato usa um ex-boxeador ingênuo para matar um delator. O assassinato coloca os trabalhadores do local em estado de tensão permanente. Dirigido por Elia Kazan (Vidas Amargas) e com Marlon Brando, Karl Malden, Lee J. Cobb, Rod Steiger e Eva Marie Saint no elenco. Vencedor de 8 Oscars.

Johnny Friendly é presidente do sindicato dos estivadores que trabalham nas docas de Hoboken, New Jersey onde, juntamente com seu braço direito, Charley Malloy, comanda as operações de carga e descarga de navios, cobrando valores por fora que os utiliza em apostas de lutas de boxe e em outras operações ilícitas.

O grupo próximo aos líderes do sindicato tem sempre emprego garantido e outras facilidades, enquanto os outros lutam diariamente por uma colocação para garantir o sustento de suas famílias. A lei do silêncio impera entre os trabalhadores que temem pelas duras conseqüências de enfrentar esse sindicato de ladrões.

O ex-boxeador Terry Malloy é irmão de Charlie e também trabalha no porto. Ele faz parte do grupo que dá sustentação a esses corruptos. É considerado um inútil que nada faz além de usar sua força. Quando boxeador, perdeu a grande chance de ser campeão porque seu irmão havia apostado alto no adversário e o obrigou a perder a luta.

O sindicato quer dar um susto em um homem que tentou delatá-los à justiça e Terry é usado para atraí-lo, mas os planos do sindicato de liquidá-lo não eram os imaginados por Terry, que não gostou da morte do amigo.

O padre Barry engaja-se na luta pelos discriminados e tenta uni-los num movimento contrário ao sindicato. Edie, a bela irmã do homem assassinado, busca provas para encontrar o assassino do irmão. Terry a conhece e ambos se sentem atraídos um pelo outro. A convivência entre os dois e outros acontecimentos farão Terry questionar seus valores morais e suas atitudes.



Premiações
- Ganhou 8 Oscars, nas seguintes categorias: Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Ator (Marlon Brando), Melhor Atriz Coadjuvante (Eva Marie Saint), Melhor Direção de Arte - Preto e Branco, Melhor Fotografia - Preto e Branco, Melhor Edição e Melhor Roteiro. Recebeu ainda mais 3 indicações, nas categorias de Melhor Ator Coadjuvante (Karl Malden, Lee J. Cobb e Rod Steiger) e Melhor Trilha Sonora.

- Ganhou 4 Globos de Ouro, nas seguintes categorias: Melhor Filme - Drama, Melhor Diretor, Melhor Ator - Drama (Marlon Brando) e Melhor Fotografia - Preto e Branco.

- Ganhou o BAFTA de Melhor Ator Estrangeiro (Marlon Brando), além de ter sido indicado nas categorias de Melhor Filme e Melhor Revelação (Eva Marie Saint).

- Ganhou o Leão de Prata, no Festival de Veneza.

- Ganhou o Prêmio Bodil de Melhor Filme Americano.


Curiosidades
- Sindicato de Ladrões foi inspirado em "Crime on the Waterfront", série de artigos publicados no New York Sun que rendeu a Malcolm Johnson o Pulitzer, em 1949.

- O roteiro de Sindicato de Ladrões foi recusado pelo produtor Darryl F. Zanuck, na época o responsável pela 20th Century Fox.

- Elia Kazan recebeu o salário de US$ 100 mil mais 25% das bilheterias para dirigir Sindicato de Ladrões.

- Arthur Miller chegou a ser contratado para escrever o roteiro de Sindicato de Ladrões, mas posteriormente deixou o projeto.

- Frank Sinatra chegou a estar cotado para interpretar o personagem Terry Malloy, tendo até mesmo conversado com o diretor Elia Kazan sobre o papel. A escolha por Marlon Brando foi do produtor Sam Spiegel, acreditando no maior apelo do ator junto às bilheterias.

- Marlon Brando recebeu o salário de US$ 100 mil para atuar em Sindicato de Ladrões.

- Este é o 3º filme em que o diretor Elia Kazan e o ator Marlon Brando trabalharam juntos. Os demais foram Uma Rua Chamada Pecado (1951) e Viva Zapata (1952).

- Grace Kelly recusou a personagem Edie Doyle, tendo preferido atuar em Janela Indiscreta (1954).

- Este é o último de 4 filmes em que o diretor Elia Kazan e o ator Karl Malden trabalharam juntos. Os demais foram O Justiceiro (1947), Uma Rua Chamada Pecado (1951) e Boneca de Carne (1956).

- Estréia de Eva Marie Saint, Pat Hingle, Martin Balsam e Fred Gwynne no cinema.

- Tony Galento, Tami Mauriello e Abe Simon eram lutadores de boxe profissionais na época das filmagens, com todos tendo enfrentado o campeão mundial Joe Louis.

- É o único filme sem ser musical que teve sua trilha sonora composta por Leonard Bernstein.

- O Oscar ganho por Marlon Brando posteriormente desapareceu, sendo que até hoje não se sabe se o ator o perdeu ou se ele foi roubado. Brando conseguiu recuperar a estatueta por acaso, graças ao contato de uma casa de leilões de Londres, que pretendia negociá-la.


Ficha Técnica
Título Original: On the Waterfront
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 108 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1954
Estúdio: Columbia Pictures Corporation / Horizon Pictures
Distribuição: Columbia Pictures
Direção: Elia Kazan
Roteiro: Budd Schulberg, baseado em estória de Budd Schulberg
Produção: Sam Spiegel
Música: Leonard Bernstein
Fotografia: Boris Kaufman
Direção de Arte: Richard Day
Figurino: Anna Hill Johnstone
Edição: Gene Milford


Elenco
Marlon Brando (Terry Malloy)
Karl Malden (Padre Barry)
Lee J. Cobb (Johnny Friendly)
Rod Steiger (Charley Malloy)
Pat Henning (Timothy "Kayo" J. Dugan)
Leif Erickson (Glover)
James Westerfield (Big Mac)
Tony Galento (Truck)
Tami Mauriello (Tullio)
John F. Hamilton (Joey "Pop" Doyle)
John Heldabrand (Mutt)
Rudy Bond (Moose)
Don Blackman (Luke)
Arthur Keegan (Jimmy)
Abe Simon (Barney)
Eva Marie Saint (Edie Doyle)
Martin Balsam (Gilette)
Fred Gwynne (Slim)
Thomas Handley (Tommy Collins)
Anne Hegira (Sra. Collins)


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A Um Passo da Eternidade - 1953

O diretor Fred Zinnemann (O Dia do Chacal) leva às telas a vida militar em um campo do exército americano no Havaí, às vésperas do ataque japonês a Pearl Harbor. Com Burt Lancaster, Montgomery Cliff, Deborah Kerr, Donna Reed, Frank Sinatra e Ernest Borgnine. Vencedor de 8 Oscars.

Sinopse
Em 1941, Robert E. Lee Prewitt (Montgomery Cliff) pede transferência do exército e vai parar na base militar de Schofield, no Havaí. Seu novo capitão, sabendo que ele é um exímio boxeador, deseja que ele faça parte da equipe de boxe, mas ele se recusa terminantemente. Irritado, o capitão consegue que seus subordinados transformem a vida do novo recruta em um inferno. Paralelamente, o Sargento Warden (Burt Lancaster), ouvindo histórias que a esposa do capitão procura relações extra-conjugais por ter sérios problemas no casamento, começa a se interessar por ela e acaba sendo correspondido. Para complicar a situação na base, Maggio (Frank Sinatra), um amigo de Prewitt, é vítima de Fatso (Ernest Borgnine), um sádico sargento, e Prewitt se apaixona por uma prostituta. Mas enquanto todos estes acontecimentos têm andamentos algo muito mais grave está para acontecer: o ataque japonês a Pearl Harbor.

Premiações
- Ganhou 8 Oscars, nas seguintes categorias: Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Ator Coadjuvante (Frank Sinatra), Melhor Atriz Coadjuvante (Donna Reed), Melhor Edição, Melhor Fotografia - Preto e Branco, Melhor Roteiro e Melhor Som. Recebeu ainda outras 5 indicações, nas seguintes categorias: Melhor Ator (Burt Lancaster e Montgomery Cliff), Melhor Atriz (Deborah Kerr), Melhor Trilha Sonora e Melhor Figurino - Preto e Branco.

- Ganhou 2 Globos de Ouro, nas seguintes categorias: Melhor Diretor e Melhor Ator Coadjuvante (Frank Sinatra).

- Ganhou um Prêmio Especial, no Festival de Cannes.

- Ganhou o prêmio de Melhor Filme no BAFTA.


Curiosidades
- Este é o 1º de 3 filmes em que Burt Lancaster e Deborah Kerr atuaram juntos. Os demais foram Vidas Separadas (1958) e Os Pára-quedistas Estão Chegando (1969).

- O ator Eli Wallach chegou a aceitar o personagem Angelo Maggio, mas resolveu abrir mão do papel sem dar nenhuma explicação.

- Era desejo de Harry Cohn, executivo da Columbia na época da produção de A um Passo da Eternidade, que os atores Aldo Ray e Joan Crawford interpretassem os personagens Prewitt e Karen Holmes, respectivamente.

- A atriz Joan Crawford recusou-se a participar de A um Passo da Eternidade por ter odiado os figurinos do filme.

- Na época do lançamento de A um Passo da Eternidade surgiu um rumor de que todas as cenas em que o ator George Reeves aparecia foram retiradas do filme na edição final, já que nas pré-estréias realizadas o público o reconhecera como sendo o intérprete do Superman na TV. De acordo com o diretor Fred Zinnemann, o roteirista Daniel Taradash e o diretor-assistente Earl Bellamy, tais rumores são falsos e todas as cenas gravadas por Reeves foram incluídas no filme.

- Foi refilmado para a TV americana, no formato de minisérie, em 1979.

Ficha Técnica
Título Original: From Here to Eternity
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 118 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1953
Estúdio: Columbia Pictures Corporation
Distribuição: Columbia Pictures
Direção: Fred Zinnemann
Roteiro: Daniel Tadarash, baseado em livro de James Jones
Produção: Buddy Adler
Música: George Duning
Fotografia: Burnett Guffey
Direção de Arte: Cary Odell
Figurino: Jean Louis
Edição: William A. Lyon


Elenco
Burt Lancaster (Sargento Milton Warden)
Montgomery Cliff (Robert E. Lee "Prew" Prewitt)
Deborah Kerr (Karen Holmes)
Donna Reed (Alma Burke)
Frank Sinatra (Angelo Maggio)
Philip Ober (Capitão Dana Holmes)
Mickey Shaughnessy (Leva)
Harry Bellaver (Mazzioli)
Ernest Borgnine (Sargento "Fatso" Judson)
Jack Warden (Cabo Buckley)
John Dennis (Sargento Ike Galovitch)
Merle Travis (Sal Anderson)
Tim Ryan (Sargento Pete Karelsen)
George Reeves (Sargento Maylon Stark)

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Uma Rua Chamada Pecado - 1951

A visita de uma rica e problemática mulher afeta de forma drástica o cotidiano de sua irmã e seu marido. Com direção de Elia Kazan (Sindicato de ladrões) e Marlon Brando e Vivien Leigh no elenco. Vencedor de 4 Oscars.

Sinopse
Blanche DuBois, uma mulher frágil e neurótica (Vivien Leigh), vai visitar sua irmã grávida (Kim Hunter), em Nova Orleans, em busca de um lugar que possa chamar de seu, já que, após seduzir um jovem de 17 anos, ela foi expulsa da sua cidade natal no Mississipi. Sua chegada afetará fortemente a vida da sua irmã, do seu cunhado e a sua própria vida.

Premiações

- Ganhou 4 Oscars: Melhor Atriz (Vivien Leigh), Melhor Atriz Coadjuvante (Kim Hunter), Melhor Ator Coadjuvante (Karl Malden) e Melhor Direção de Arte. Recebeu ainda outras 8 indicações: Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Ator (Marlon Brando), Melhor Fotografia em Preto e Branco, Melhor Figurino em Preto e Branco, Melhor Trilha Sonora, Melhor Som e Melhor Roteiro.

- Ganhou o Globo de Ouro de Melhor Atriz Coadjuvante (Kim Hunter).

- Ganhou o Prêmio do Júri e o prêmio de Melhor Atriz (Vivien Leigh), no Festival de Veneza.


Curiosidades
- A atriz Jessica Tandy era inicialmente a preferida para interpretar a personagem Blanche DuBois em Uma Rua Chamada Pecado, pois já havia interpretado o papel na Broadway. Entretanto, Vivien Leigh terminou ficando com o papel devido a questões de bilheteria, pois o nome de Leigh atrairia mais público aos cinemas do que o de Tandy.

- Olivia de Havilland chegou a ser contactada para assumir o personagem Blanche DuBois, ainda antes da contratação de Vivien Leigh, mas terminou recusando o papel.

- Todos os atores de Uma Rua Chamada Pecado já haviam interpretado os mesmos papéis na Broadway. A exceção fica por conta de Vivien Leigh, que havia interpretado Blanche DuBois em Londres apenas.

- Na época de seu lançamento, Uma Rua Chamada Pecado foi exibido com 3 minutos a menos, devido a cenas censuradas na época.

Ficha Técnica
Título Original: A Streetcar Named Desire
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 125 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1951
Estúdio: Warner Bros.
Distribuição: Warner Bros.
Direção: Elia Kazan
Roteiro: Oscar Saul, baseado em peça de Tennessee Williams
Produção: Charles K. Feldman
Música: Alex North
Direção de Fotografia: Harry Stradling Jr.
Direção de Arte: Richard Day
Figurino: Lucinda Ballard
Edição: David Weisbart


Elenco
Vivien Leigh (Blanche DuBois)
Marlon Brando (Stanley Kowalski)
Kim Hunter (Stella Kowalski)
Karl Malden (Mitch)
Rudy Bond (Steve)
Nick Dennis (Pablo)
Peg Hillias (Eunice)
Wright King (Colecionador)
Richard Garrick (Médico)
Mickey Kuhn (Vendedor)

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sexta-feira, 27 de fevereiro de 2009

Roland Kirk

The Inflated Tear - 1967


Rahsaan Roland Kirk (7 de Agosto de 1936, Columbus, Ohio - 5 de Dezembro de 1977) era um multi-instrumentista cego americano. Ficou muito famoso pela sua habilidade de tocar mais de um saxofone ao mesmo tempo.
Nascido Ronald Theodore Kirk, teve uma vez um sonho que o levou a trocar duas letras de lugar em seu nome e virar Roland. Em 1970, adicionou também o nome "Rahsaan".
Preferindo liderar seus próprios grupos, Kirk raramente tocou para outros músicos, embora tenha gravado com Quincy Jones, Roy Haynes e tido atuações especialmente notáveis com Charles Mingus. Tocava a primeira flauta e solava em Soul Bossa Nova, de Jones, música popularizada nos filmes Austin Powers.
Seu estilo geralmente se enraizava no soul jazz e no hard bop, mas seu conhecimento de história do jazz permitiu que se utilizasse de diversos elementos da história da música, do ragtime ao swing e também o free jazz. Kirk também explorava frequentemente a música clássica e o pop.


Kirk tocava e colecionava uma série de instrumentos musicais, principalmente saxofones, clarinetes e flautas. Seus principais instrumentos eram o saxofone tenor e dois saxofones pouco conhecidos: o manzello (semelhante ao saxofone soprano) e o stritch (um tipo de saxofone alto reto, sem a curva característica). Kirk modificava ele mesmo os instrumentos para adaptá-los à sua técnica de execução simultânea. Era comum vê-lo no palco com todos os três instrumentos pendurados no pescoço, assim como uma variedade de outros instrumentos como flautas e apitos, e com frequência mantinha ainda um gongo ao seu alcance. Kirk também tocava harmônica, corne inglês, flauta doce e era um razoável trompetista. Às vezes possuía abordagens muito originais, usando uma boquilha de saxofone num trompete ou tocando flauta de nariz. Além disso, utilizava muitos sons extramusicais em sua arte, como despertadores, apitos, sirenes, um conjunto de mangueiras de jardim ("the black mystery pipes") e até sons electrônicos (à época uma raridade).


Kirk foi ainda um flautista influente, empregando técnicas por ele desenvolvidas. Uma delas era cantar e tocar flauta ao mesmo tempo. Outra era tocar ao mesmo tempo a flauta transversal tradicional e a flauta de nariz.

Alguns observadores, ao ver Kirk surgir no palco com sua aparência bizarra e seu multi-instrumentismo simultâneo, pensavam que se tratasse apenas de objetos para chamar a atenção, especialmente tratando-se de um cego. Essas opiniões, porém, mudavam quando Roland Kirk começava a tocar. Ele usava os três saxofones para fazer verdadeiros acordes, funcionando como um "naipe de um homem só". Kirk insistia que ele estava apenas tentando reproduzir sons que ouvia em sua mente.

Além disso, Kirk era um dos maiores expoentes da respiração circular. Com essa técnica, Kirk era capaz não apenas de sustentar uma nota por virtualmente qualquer período de tempo, ele podia também tocar subdivisões e qualquer melodia veloz sem pausas para respiração. Isso lhe permitiu gravar "Concerto For Saxophone" no disco "Prepare Thyself To Deal With A Miracle", numa tomada contínua de cerca de 20 minutes tocando sem que percebamos uma pausa para inspirar.

"The Case Of The 3-Sided Dream in Audio Color" foi um álbum único nos anais do jazz e da música popular. Era um álbum com dois LPs, com o lado 4 aparentemente "em branco", uma vez que o selo não indicava nenhum conteúdo. Contudo, uma vez que a "mensagem secreta" se popularizou entre os fans de Rahsaan, percebia-se que por volta dos 12 minutos no lado 4 aparecia o primeiro de dois recados de secretária eletrônica gravados por Kirk, o segundo aparecendo em seguida, separado por mais um pouco de silêncio. O impacto surpreendente desses trechos no lado "em branco" foi perdido com o lançamento do álbum em CD.

Em 1975, Kirk sofreu um grande derrame que levou-o à paralisia parcial de um dos lados do seu corpo. Apesar disso, contunuou tocando, modificando os instrumentos para que pudesse tocar com uma só mão. Numa aprarição ao vivo no Ronnie Scott's club de London ele chegou a tocar dois instrumentos e ainda fez uma tournê e apareceu na TV.

Morreu de um segundo derrame em 1977, depois de tocar no Bluebird Nightclub em Bloomington, Indiana.


Tracks:
1 The Black And Crazy Blues
2 A laugh For Rory
3 Many Blessings
4 Fingers In The Wind
5 The Inflated Tear
6 The Creole Love Call
7 A Handful Of Fives
8 Fly By Night
9 lovellevelliloqui
10 I'm Glad There Is you.

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Benny Goodman

Greatest Hits
Branco, nascido em Chicago, Benjamin David Goodman(30 de maio de 1909 – 13 de junho de 1986), o Benny Goodman, abriu caminho para os negros na música americana, foi um clarinetista e um craque do jazz e da música clássica e tornou-se um dos maiores líderes de big bands de todos os tempos, sendo reconhecido como o "Patriarca da Clarineta", "O Professor" e "Mestre do Swing".

Em Chicago, numa época em que os EUA estavam marcados pela segregação racial, as leis exigiam a separação de negros e brancos em lugares públicos, o nono filho dos 12 de pobres imigrantes judeus da Polônia, tomava uma atitude corajosa e pioneira, ao mesmo tempo em que fazia o país dançar, com uma big band que tinha um estilo ligeiro e contagiante.

Criou um trio com o legendário baterista Gene Krupa e o pianista Teddy Wilson, primeiro músico negro a se apresentar com um grupo popular branco. Mais tarde, o grupo ganhou o vibrafonista Lionel Hampton, o guitarrista Charlie Christian e muitos outros gigantes do jazz.

Não se pode dizer que Goodman foi o precursor do swing, pois antes dele houve Fletcher Henderson. Mas pode-se afirmar que foi ao som de sua banda que toda a América dançou nos anos 30 e 40 e por isso, até hoje é considerado o "Rei do Swing".

Com o fim da Segunda Guerra Mundial, as big bands saíram de moda, mas Benny Goodman se adaptou, aos 40 anos, começou a estudar clarinete erudito e logo se tornou, também, um nome de destaque nessa área, dividindo sua criatividade entre o jazz e a música clássica.

Tracks:
01 - Frankie And Johnny
02 - One O'Clock Jump
03 - Stompin' At The Savoy
04 - Jersey Bounce
05 - Down South Camp Meeting
06 - Jumping At The Woodside
07 - King Porter Stomp
08 - Stardust
09 - That's A Plenty
10 - How High The Moon
11 - Seven Come Eleven
12 - You Turned The Tables On Me
13 - Buggle Call Rag
14 - Let's Dance
15 - I Found A New Baby
16 - Roll'Em

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O Poderoso Chefão 3 - 1990

O desfecho da saga da família Corleone mostra Michael dando sua última cartada para tentar transformar em legais os negócios da família. Com Al Pacino, Diane Keaton, Andy Garcia, Talia Shire, Joe Mantegna, Bridget Fonda e Sofia Coppola. Recebeu 7 indicações ao Oscar.

Sinopse: Desta vez a história se passa 20 anos após o fim da parte II. O ano é 1979 e Michael Corleone(Al Pacino), o filho mais velho de Dom Vito, tem 60 anos e é o homem mais poderoso da máfia. Vivendo em Nova York e preocupado com o futuro de sua esposa e filhos, Michael passa a legalizar seus negócios com investimentos em bancos, hotéis e ações. Ao mesmo tempo precisa encontrar um sucessor experiente, já que tem apenas uma filha Mary e um filho recém-formado mais interessado em seguir a carreira de cantor lírico.. Isto acontece em uma festa em sua homenagem quando sua irmã Connie pede que ele empregue Vincent Mancini, filho bastardo do Sonny também seu irmão.Vincente parece perfeito mas tem um passado de crimes e violência. E quando se apaixona por Mary, a tragédia volta à casa dos Corleone. Sob sua supervisão 30 milhões de dólares desaparecem de um negócio legal com o Banco do Vaticano. Michael percebe que precisa retornar o comando da situação e volta à Sicília para desvendar o passado do rapaz e o paradeiro dos dólares.Mas é aí que seus sonhos começam a ruir. Na Itália ao invés da lei, ele se envolve em novos crimes e violência. Só que agora, fora de seu controle.

Premiações
- Recebeu 7 indicações ao Oscar: Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Ator Coadjuvante (Andy Garcia), Melhor Canção ("Promise me you'll remember"), Melhor Montagem, Melhor Direção de Arte e Melhor Fotografia.

- Recebeu 7 indicações ao Globo de Ouro: Melhor Filme - Drama, Melhor Diretor, Melhor Ator em Drama (Al Pacino), Melhor Ator Coadjuvante (Andy Garcia), Melhor Trilha Sonora, Melhor Canção ("Promise me you'll remember") e Melhor Roteiro.

- Ganhou 2 Framboesa de Ouro: Pior Atriz Coadjuvante (Sofia Coppola) e Pior Revelação (Sofia Coppola).


Curiosidades
- A atriz que inicialmente iria interpretar Mary Corleone era Winona Ryder. Somente após a desistência de Ryder é que Sofia Coppola assumiu o papel.

- Este é o 1º de 2 filmes em que Al Pacino e Andy Garcia atuam juntos. O posterior foi Treze Homens e um Novo Segredo (2007).

Ficha Técnica
Título Original: The Godfather: Part III
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 172 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1990
Estúdio: Paramount Pictures / Zoetrope Studios
Distribuição: Paramount Pictures
Direção: Francis Ford Coppola
Roteiro: Mario Puzo e Francis Ford Coppola, baseado em livro de Mario Puzo
Produção: Francis Ford Coppola
Música: Carmine Coppola
Direção de Fotografia: Gordon Willis
Desenho de Produção: Dean Tavoularis
Direção de Arte: Alex Tavoularis
Figurino: Milena Canonero
Edição: Lisa Fruchtman, Barry Malkin e Walter Murch
Efeitos Especiais: Industrial Light & Magic


Elenco
Al Pacino (Don Michael Corleone)
Diane Keaton (Kay Adams)
Talia Shire (Connie Corleone Rizzi)
Andy Garcia (Vincent "Vinnie" Mancini)
Eli Wallach (Don Altobello)
Joe Mantegna (Joey Zaza)
George Hamilton (B.J. Harrison)
Sofia Coppola (Mary Corleone)
Bridget Fonda (Grace Hamilton)
Raf Vallone (Cardeal Lamberto)
Franc D'Ambrosio (Anthony Corleone)
Donal Donnelly (Arcebispo Gilday)
Richard Bright (Al Neri)
Helmut Berger (Frederick Keinszig)
Don Novello (Dominic Abbandando)
John Savage (Andrew Hagan)
Vittorio Duse (Don Tomasino)
Al Martino (Johnny Fontane)

Download (Legendado) Parte 1 Parte 2 Parte 3

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O Poderoso Chefão 2 - 1974

A saga da família Corleone continua, contada quando Vito Corleone chega à América e quando ela passa para o comando de Michael Corleone. Com Al Pacino, Robert DeNiro, Robert Duvall, Diane Keaton e Talia Shire. Vencedor de 6 Oscars.

Sinopse
Início do século XX, após a máfia local matar sua família, o jovem Vito (Robert De Niro) foge da sua cidade na Sicília e vai para a América. Já adulto em Little Italy, Vito luta para ganhar a vida (legal ou ilegalmente) para manter sua esposa e filhos. Ele mata Black Hand Fanucci (Gastone Moschin), que exigia dos comerciantes uma parte dos seus ganhos. Com a morte de Fanucci o poderio de Vito cresce muito, mas sua família (passado e presente) é o que mais importa para ele. Um legado de família que vai até os enormes negócios que nos anos 50' são controlados pelo caçula, Michael Corleone (Al Pacino). Agora baseado em Lago Tahoe, Michael planeja fazer por qualquer meio necessário incursões em Las Vegas e Havana instalando negócios ligados ao lazer, mas descobre que aliados como Hyman Roth (Lee Strasberg) estão tentando matá-lo. Crescentemente paranóico, Michael também descobre que sua ambição acabou com seu casamento com Kay (Diane Keaton) e até mesmo seu irmão Fredo (John Cazale) o traiu. Escapando de uma acusação federal, Michael concentra sua atenção para lidar com os seus inimigos.

Premiações
- Ganhou 6 Oscars: Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Ator Coadjuvante (Robert DeNiro), Melhor Direção de Arte, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Trilha Sonora. Recebeu ainda outras 5 indicações: Melhor Ator (Al Pacino), Melhor Atriz Coadjuvante (Talia Shire), Melhor Ator Coadjuvante (Michael V. Gazzo e Lee Strasberg) e Melhor Figurino.

- Recebeu 6 indicações ao Globo de Ouro: Melhor Filme - Drama, Melhor Diretor, Melhor Ator em Drama (Al Pacino), Melhor Trilha Sonora, Melhor Roteiro e Melhor Revelação Masculina (Lee Strasberg).


Curiosidades
- O Poderoso Chefão 2 foi a 1ª sequência a ganhar o Oscar de Melhor Filme.

- Para se preparar para o papel, Robert De Niro viveu durante certo período na Sicília. Ele faz parte do grupo de atores que ganhou um Oscar falando a maior parte de seus diálogos numa língua diferente da inglesa (os demais foram Sophia Loren, Roberto Benigni e Marion Cotillard).

- O Poderoso Chefão 2 é o 2º de 3 filmes que tratam da saga da família Corleone. Os demais foram O Poderoso Chefão (1972) e O Poderoso Chefão 3 (1990).
Ficha Técnica
Título Original: The Godfather: Part II
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 200 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1974
Estúdio: Paramount Pictures / The Coppola Company
Distribuição: Paramount Pictures
Direção: Francis Ford Coppola
Roteiro: Mario Puzo e Francis Ford Coppola, baseado em livro de Mario Puzo
Produção: Francis Ford Coppola
Música: Nino Rota e Carmine Coppola
Direção de Fotografia: Gordon Willis
Desenho de Produção: Dean Tavoularis
Direção de Arte: Angelo P. Graham
Figurino: Theadora Van Runkle
Edição: Barry Malkin, Richard Marks e Peter Zinner


Elenco
Al Pacino (Don Michael Corleone)
Robert De Niro (Vito Corleone - jovem)
Diane Keaton (Kay Adams)
Robert Duvall (Tom Hagen)
John Cazale (Fredo Corleone)
Talia Shire (Connie Corleone Rizzi)
Lee Strasberg (Hyman Roth)
Michael V. Gazzo (Frankie Pentangeli)
G.D. Spradlin (Senador Pat Geary)
Richard Bright (Al Neri)
Gastone Moschin (Don Fanucci)
Tom Rosqui (Rocco Lampone)
Bruno Kirby (Jovem Clemenza)
Frank Sivero (Genco)
Francesca De Sapio (Jovem Carmella "Mama" Corleone)
Morgana King (Mama Corleone)
Marianna Hill (Deanna Corleone)
Dominic Chianese (Johnny Ola)
John Aprea (Jovem Tessio)
Abe Vigoda (Tessio)
Gianni Russo (Carlo)
Giuseppe Silato (Don Francesco)
Mario Cotone (Don Tommasino)
Harry Dean Stanton (Policial do FBI)
Danny Aiello (Tony Rosato)
James Caan (Sonny Corleone)
Roman Coppola (Jovem Sonny Corleone)
Sofia Coppola (Criança no barco na cena na Estátua da Liberdade)

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O Poderoso Chefão - 1972

A saga da família Corleone contada pelo diretor Francis Ford Coppola e o roteirista Mario Puzo. Com Marlon Brando, Al Pacino, Robert Duvall, James Caan, Diane Keaton e Talia Shire. Vencedor de 3 Oscars.

Sinopse
Em 1945, Don Corleone (Marlon Brando) é o chefe de uma mafiosa família italiana de Nova York. Ele costuma apadrinhar várias pessoas, realizando importantes favores para elas, em troca de favores futuros. Com a chegada das drogas, as famílias começam uma disputa pelo promissor mercado. Quando Corleone se recusa a facilitar a entrada dos narcóticos na cidade, não oferecendo ajuda política e policial, sua família começa a sofrer atentados para que mudem de posição. É nessa complicada época que Michael (Al Pacino), um herói de guerra nunca envolvido nos negócios da família, vê a necessidade de proteger o seu pai e tudo o que ele construiu ao longo dos anos.

Premiações
- Ganhou 3 Oscars: Melhor Filme, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Ator (Marlon Brando). Recebeu ainda outras 8 indicações: Melhor Ator Coadjuvante (Al Pacino, James Caan e Robert Duvall), Melhor Som, Melhor Diretor, Melhor Trilha Sonora, Melhor Montagem e Melhor Figurino).

- Ganhou 5 Globos de Ouro: Melhor Filme - Drama, Melhor Diretor, Melhor Ator em Drama (Marlon Brando), Melhor Trilha Sonora e Melhor Roteiro. Recebeu ainda outras duas indicações: Melhor Ator em Drama (Al Pacino) e Melhor Ator Coadjuvante (James Caan).

- Ganhou o Grammy de melhor trilha sonora composta para o cinema.


Curiosidades
- Marlon Brando, que ganhou o Oscar por sua interpretação como Don Vito Corleone, se recusou a receber sua estatueta em protesto à discriminação feita pelo governo e por Hollywood aos índios americanos. Além de não comparecer à cerimônia de premiação, Brando enviou em seu lugar uma atriz que se fez passar por uma índia americana, de nome Sacheen Littlefeather.

- O papel de Michael Corleone fora oferecido inicialmente a Warren Beatty, Jack Nicholson e Dustin Hoffman, mas todos o recusaram. Somente após Al Pacino foi escolhido para o papel.

- Robert DeNiro fez testes para os papéis de Sonny e Michael Corleone, mas não conseguiu nenhum dos dois personagens.

- Um dos cotados para o papel de Vito Corleone foi Laurence Olivier. Frank Sinatra também esteve cotado para fazer parte do elenco, no papel de Johnny.

- Durante a cena em que Johnny (James Caan) e Carlo (Gianni Russo) brigam, Caan realmente quebrou algumas costelas de Russo.

- Francis Ford Coppola e Mario Puzo, autores do roteiro do filme, evitaram a todo custo utilizar a palavra "máfia" nos diálogos dos personagens.

- A presença de laranjas nos três filmes da série O Poderoso Chefão sempre indicava que alguém ia morrer ou que iria ocorrer algum atentado.

- Seguido por O Poderoso Chefão 2 (1974) e O Poderoso Chefão 3 (1990).

Ficha Técnica
Título Original: The Godfather
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 171 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1972
Estúdio: Paramount Pictures
Distribuição: Paramount Pictures
Direção: Francis Ford Coppola
Roteiro: Mario Puzo e Francis Ford Coppola, baseado em livro de Mario Puzo
Produção: Albert S. Ruddy
Música: Nino Rota
Direção de Fotografia: Gordon Willis
Desenho de Produção: Dean Tavoularis
Direção de Arte: Warren Clymer
Figurino: Anna Hill Johnstone
Edição: Marc Laub, Barbara Marks, William Reynolds, Murray Solomon e Peter Zinner


Elenco
Marlon Brando (Don Vito Corleone)
Al Pacino (Michael Corleone)
Diane Keaton (Kay Adams)
Richard S. Castellano (Peter Clemenza)
Robert Duvall (Tom Hagen)
James Caan (Santino "Sonny" Corleone)
Sterling Hayden (Capitão McCluskey)
Talia Shire (Connie Corleone Rizzi)
John Marley (Jack Woltz)
Richard Conte (Emilio Barzini)
Al Lettieri (Sollozzo)
Abe Vigoda (Sal Tessio)
Gianni Russo (Carlo Rizzi)
John Cazale (Frederico "Fredo" Corleone)
Morgana King (Mama Corleone)
Lenny Montana (Luca Brasi)
Alex Rocco (Moe Greene)
Tony Giorgio (Bruno Tattaglia)
Victor Rendina (Phillip Tattaglia)
Salvatore Corsitto (Bonasera)
Al Martino (Johnny Fontane)
Sofia Coppola (Criança batizada)

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Eric Clapton

Eric Clapton nasceu em Ripley, Inglaterra, em 30 de março de 1945. A paixão pelo R&B de artistas como Robert Johnson e Muddy Watters o levou a desde cedo aprender a tocar guitarra e participar de todas as bandas que pudesse.

Expulso da escola de artes por rebeldia, aprendeu a tocar em pubs e pequenos shows. Se juntou aos Yardbirds, banda inglesa de grande influência que teve o mérito de reunir três dos maiores guitarristas de todos os tempos em sua formação: Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page (que mais tarde formaria o Led Zeppelin).

Abandonou os Yardbirds em 1966 e após duas passagens pelos Bluesbreakers, da qual saiu por não suportar a rigidez de J. Mayall, formou, juntamente com o baterista Ginger Baker e o baixista Jack Bruce, a banda Cream, que gravou três álbuns e se desfez por diferenças musicais após menos de dois anos de carreira muito produtiva.

Com o fim do Cream Clapton se tornou músico de estúdio, gravando um disco solo e tendo uma rápida passagem pela banda Blind Faith com quem gravou um único disco. Entre outras participações especiais gravou com os Beatles o solo de guitarra da música While My Guitar Gently Weeps. A sua ligação com os Beatles porém infelizmente não se resumiu a sua participação em algumas músicas; durante anos manteve um relacionamento mais do que amigável com Patty Boyd, esposa de George Harrison, num triângulo amoroso que durou anos, a início às escondidas e depois abertamente, o que incrivelmente não abalou a amizade entre os guitarristas.

Juntamente com dissidentes da banda Delanie and Bonnie and Friends (que abria shows para o Blind Faith), Clapton montou a banda Derek and The Dominos, com quem lançou um de seus maiores sucessos, a música "Layla", abertamente dedicada à esposa de George Harrison. Participava também da banda Duane Allman (do Allman Brothers)

"Layla and other assorted songs" foi um fracasso de vendas, e por isso a gravadora imprimiu nos discos a frase "Derek is Eric", afim de alavancar as vendas. Não só a música "Layla" como todo o resto do album é dedicado à Patty Boyd, inclusive uma inspiradíssima "Have you ever loved a Woman", onde ele canta "Have you ever loved a Woman so much you drown in pain, 'cus everytime you know she belongs to your very best friend"

No início da década de 70 os problemas pessoais e conflitos emocionais levaram Clapton a uma difícil fase de vício em heroína, e um consequente ostracismo durante alguns anos. A volta ocorreu em 1974 com a inesperada "I Shot The Sheriff", um reggae. Clapton foi o responsável pelo lançamento para as paradas mundiais de Bob Marley. A boa fase musical rendeu também o clássico "Cocaine" em 1978. Durante a década de 80 a aceitação por parte do público foi crescente.

Em 1990 Clapton ganhou seu primeiro Grammy com a música Bad Love. Sua fama aumentava ainda como compositor de excelentes trilhas sonoras para filmes (entre outras, "Rush").

Em 1992 ironicamente alcançou o maior sucesso de sua carreira com a música "Tears In Heaven", dedicada ao filho morto aos quatro anos ao cair da janela do apartamento da namorada de Clapton. O disco acústico contendo a música e regravações de outros clássicos foi um sucesso absoluto e ganhou dezenas de prêmios, inclusive seis Grammys. O disco Unplugged marcou ainda uma volta de Clapton às suas raízes de blues, confirmada com o álbum "From The Craddle", apenas de canções tradicionais, um tributo aos clássicos que influenciaram o seu estilo.

Eric Clapton é considerado um dos mais perfeitos guitarristas da história, tocando com extrema técnica e sentimento, além de um estilo inconfundível. No auge da adoração de seus fãs na década de 70 uma pichação em um muro de Londres resumia o fascínio que sua música exercia: "Clapton Is God".

CD 1
1 - I Feel Free
2 - Sunshine Of Your Love
3 - White Room
4 - Crossroads
5 - Badge
6 - Prescence Of The Lord
7 - After Midnight
8 - Let It Rain
9 - Bell Bottom Blues
10 - Layla
11 - Let It Grow
12 - I Shot The Sheriff
13 - Knockin’ On Heaven’s Door
14 - Hello Old Friend
15 - Cocaine
16 - Lay Down Sally
17 - Wonderful Tonight
18 - Promises
19 - I Can’t Stand It

CD 2
1 - I’ve Got A Rock ‘n’ Roll Heart
2 - She’s Waiting
3 - Forever Man Listen
4 - It’s In The Way That You Use It
5 - Miss You
6 - Pretending
7 - Bad Love
8 - Tears In Heaven
9 - Layla
10 - Running On Faith
11 - Motherless Child
12 - Change The World
13 - My Father’s Eyes
14 - Riding With The King
15 - Sweet Home Chicago
16 - If I Had Possession Over Judgement Day
17 - Ride The River

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Rory Gallagher

Tatoo - 1973
Na década de 70 os guitarristas tiveram destaque. Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jimmy Page, Brian May, David Gilmour, Ritchie Blackmore. Rory Gallagher foi praticamente ignorado em tudo que se fala sobre música, especialmente sobre blues rock. Sendo um sujeito que não fazia questão de pertencer a nenhuma turma, que não se enquadrava em lugares onde qualquer um queria a celebridade, um outsider, Rory preferiu assim.

Guitarrista irlandês, nascido em 1948 comprou o primeiro violão aos nove anos. Aos doze comprou sua primeira guitarra elétrica. Aos treze formou a primeira banda. Em 1965 formou o power trio ‘Taste’, uma banda irlandesa de blues pesado e com elementos de jazz e rock. Encerrou a banda e partiu para uma vitoriosa carreira solo e ficou conhecido pelas suas vibrantes performances no palco. Um guitarrista original e técnico, que quase não trabalhava com pedais, preferindo ligar a guitarra aos amplificadores, direto. Seus solos de guitarra são excelentes, esbanjando técnica e sentimento. Usava um colete e calça jeans, camisa de manga comprida, cabelo longo e usou uma única guitarra em toda sua vida, uma Fender Stratocaster de segunda mão que comprou aos quinze anos.

Sabendo que o seu potencial ao vivo era fantástico, Rory gravou vários shows de sua turnê de 1972 e lançou o álbum "Live In Europe" que levou Rory ser eleito o músico do ano pelo jornal ‘Melody Maker’ e o melhor guitarrista deste mesmo ano. Em 1974, lançou um de seus discos mais conhecidos; o duplo e também ao vivo, "Irish Tour 74" que transformou-se em filme. A sua trajetória seguiu com mais 14 trabalhos.
Rory foi um autêntico gênio, criativo e bastante simples que viveu durante 47 anos e morreu bestamente em 1995, depois de contrair uma infecção hospitalar, quando se recuperava de uma cirurgia de transplante de fígado. Em seu enterro, pelas ruas de Cork, cidade Irlandesa, Rory foi reverenciado por uma multidão. Sua obra de tão boa ganhou o reconhecimento do governo irlandês: um selo com seu nome. Não deixou esposa, nem filhos; viveu toda sua existência em função de sua arte, de maneira simples e íntegra.

Tracks:
01. Tattoo'd Lady
02. Cradle Rock
03. 2020 Vision
04. They Don't Make Them like You Anymore
05. Livin' like a Trucker
06. Sleep on a Clothes-line
07. Who's That Coming
08. A Million Miles Away
09. Admit It
10. Tucson, Arizona
11. Just a Little Bit

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Henry Mancini

Henry Mancini, nascido Enrico Nicola Mancini, (Cleveland, 16 de abril de 1924 — Beverly Hills, 14 de junho de 1994) foi um compositor e arranjador americano. Ele é melhor lembrado por ter sido um dos mais conhecidos compositores de trilhas sonoras para a televisão e cinema, ganhando um número considerável de prêmios Grammy (incluindo um em reconhecimento em 1995).

Nascido numa família ítalo-americana, Mancini nasceu no estado de Ohio e cresceu em West Aliquippa, na Pensilvânia. Ele morreu em Beverly Hills, Califórnia. Apesar de ter sido colocado no exército durante a Segunda Guerra Mundial, Mancini conseguiu trocar da infantaria para a banda. As composições pelas quais é mais conhecido incluem "Moon River" (a canção tema do filme de 1961 Breakfast at Tiffany's) e a canção tema dos filmes A Pantera Cor-de-Rosa e Charada de 1963, bem como o tema do famoso "Pássaros Feridos", de 1983, exibido no Brasil pelo SBT desde 1985.

Ele também é muitas vezes creditado pela composição de trilhas sonoras de filmes de Charlie Brown e Sua Turma, em particular o tema "Linus and Lucy". Mas na verdade estas canções foram compostas e tocadas por outro pianista de jazz, Vince Guaraldi. Grande parte do trabalho de Mancini pode ser classificado no gênero easy listening.

Mancini morreu aos setenta anos de câncer no estômago.


Tracks:
01 - The pink panther theme
02 - Charade
03 - Two for the road
04 - Moon river
05 - Moment to Moment
06 - Days of wine and roses
07 - Peter gunn suite: Peter gun theme
08 - Peter gunn suite: Dreamsville
09 - Dear heart
10 - The thorn birds theme
11 - Anywhere the heart goes (Meggie's theme)
12 - Mr. Lucky
13 - Whistling away the dark
14 - Life in a look [Movie medley]
15 - Crazy world [Movie medley]
16 - It´s easy to say
17 - Music on the way

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quinta-feira, 26 de fevereiro de 2009

Os Girassóis da Rússia - 1970

Os Girassóis da Rússia é uma das mais belas histórias de amor do cinema. Dirigido pelo mestre Vittorio De Sica (Ladrões de Bicicleta), este clássico romântico tornou-se um dos maiores sucessos da dupla Sophia Loren e Marcello Mastroianni.

Sinopse
O casal Giovanna e Antonio é separado pela Segnda Guerra Mundial. Após anos sem notícias, ela viaja para a Rússia em busca do marido, atravessando cidades e campos de girassóis. Quando enfim o encontra, percebe que algo mudou entre eles.

Ficha Técnica
Título Original: I Girasoli
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 101 minutos
Ano de Lançamento (Italia): 1970
Direção: Vittorio De Sica
Roteiro: Tonino Guerra, Giorgi Mdivani e Cesare Zavattini
Produção: Carlo Ponti
Música: Henry Mancini
Fotografia: Giuseppe Rotunno
Edição: Adriana Novelli

Elenco

Sophia Loren (Giovanna)
Marcello Mastroianni (Antonio)
Lyudmila Savelyeva (Mascia)
Galina Andreyeva (Valentina)
Anna Carena (Mãe de Antonio)
Gemano Longo (Ettore)

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Muddy Waters

Got My Mojo Workin´
Inspiração declarada da maioria dos bluseiros do mundo inteiro, Muddy Waters, guitarrista e cantor nasceu no Mississippi como McKinley Morganfield. Influenciado por dois grandes nomes do Delta Blues começou sua carreira com um violão acústico, mudando para a guitarra elétrica. Nos anos 50, Muddy inovou o blues usando uma banda composta por guitarra amplificada, harmônica, piano e bateria. Ao contrário de tornar a música mais alta, o uso de amplificadores tornou as canções mais intensas.

Além de ter sido o primeiro músico a tocar de forma brilhante uma guitarra elétrica e o blues elétrico, na Inglaterra foi inspiração para bandas de rock n’roll que surgiam no começo dos anos 60, influenciando diversos artistas e músicos americanos e estrangeiros como Jimi Hendrix, Santana, Elvis e Mick Jagger. O nome dos ‘Rolling Stones’ nasceu de uma canção de Waters chamada "Rollin'Stone", assim como a famosa canção de Bob Dylan, "Like a Rolling Stone".

Embora tenha sido um grande artista, se apresentando em festivais internacionais de blues, folk e jazz, uma figura de enorme importância na criação do estilo conhecido como Rhythm and Blues (R&B), tornando-se um dos mais famosos músicos de blues da história e seus country-blues gravados para os arquivos da biblioteca do Congresso Americano, Muddy Waters nunca teve o sucesso comercial daqueles que o seguiram.

Foi nomeado na década de 60 por B.B King como o ‘Buda Negro’, pois satirizando alguns conceitos filosóficos, BB King dizia que Muddy era o mais sábio dos homens. Faleceu em 1983, deixando uma nova era de jovens a seguir os passos do ‘Muddy Herói'.

Tracks
1. Dust My Broom
2. Walking Blues
3. I'm A Hoochie Coochie Man
4. Walking Through the Park
5. Howlin' Wolf
6. Blow Wind Blow
7. Honey Bee
8. Can't Get No Grindin'
9. She's Nineteen Years Old
10. Rollin' And Tumblin'
11. Got My Mojo Workin'
12. Everything Gonna Be Alright

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Janis Joplin

Pearl - 1971 (Edição especial)

"Posso não durar tanto quanto as outras cantoras, mas sei que posso destruir-me agora se me preocupar demais com o amanhã."

Em sua breve carreira, Janis Joplin parecia estar sempre à beira do precipicio da autodestruição. Como Billie Holiday, eram a luta contra o vício em drogas e os relacionamentos apaixonados que faziam seu blues soar tão convincente. Ainda assim, a cantora aparentava estar dando um rumo à sua vida quando entrou no estúdio para gravar Pearl. Depois de ganhar o disco de ouro, em 1968, por Cheap Trills, ela saiu da Big Brother e reuniu uma banda mais versátil, a Full Tilt Boogie Band. Janis tambem parecia ter sossegado e estava noiva. Claro, sossegar em termos relativos. A capa do album mostrava Janis com seus companheiros habituais - a bebida e o cigarro. Pearl é um belo argumento em favor da idéia de que Joplin poderia ter sido não a maior cantora de blues da época, mas a maior cantora - ponto final. No começo do disco, quando a Full Tilt Boogie toma de assalto a faixa "Move over" e segue com o lamento Cry Baby, Joplin mostra uma immpressionante versatilidade vocal, enchendo as palavras de drama e paixão. As modulações de "A woman Left Lonely" a tornam compativel as grandes divas, como Bessie Smith. Joplin também sabia se divertir - basta ouvir Me and Bobby McGee e Mercedes Benz. Na verdade, a melhor faixa do disco não contém uma palavra cantada por Joplin. Ela foi encontrada morta, de overdose de Heroína, num quarto de hotel em Hollywood, antes que tivesse posto os vocais em "Buried Alive In the Blues". O álbum foi lançado quatro meses após sua morte.

Track list:
Disc 1
01. Move Over
02. Cry Baby
03. A Woman Left Lonely
04. Half Moon
05. Buried Alive In The Blues
06. My Baby
07. Me And Bobby Mcgee
08. Mercedes Benz
09. Trust Me
10. Get It While You Can
11. Happy Birthday, John (Happy Trails)
12. Me And Bobby Mcgee (Demo Version)
13. Move Over (Alternate Version)
14. Cry Baby (Alternate Version)
15. My Baby (Alternate Version)
16. Pearl (Instrumental)

Disc 2
01. Tell Mama (Live)
02. Half Moon (Live)
03. Move Over (Live)
04. Maybe (Live)
05. Summertime (Live)
06. Little Girl Blue (Live)
07. That's Rock 'n Roll (Live)
08. Try (Just A Little Bit Harder) (Live)
09. Kozmic Blues (Live)
10. Piece Of My Heart (Live)
11. Cry Baby (Live)
12. Get It While You Can (Live)
13. Ball And Chain (Live)

Download disc 1 disc 2




Trilha sonora do filme Laranja Mecânica

1 - Title Music From A Clockwork Orange
2 - The Thieving Magpie (Abridged)
3 - Theme from A Clockwork Orange (Beethoviana)
4 - 9th Symphony, Second Movement-Abridged
5 - March from A Clockwork Orange (9th Symphony, Fourth Movement-Abridged)
6 - William Tell Overture-Abridged
7 - Pomp and Circumstance March No. I
8 - Timesteps (Excerpt)
9 - Overture to the Sun
10 - I Want to Marry a Lighthouse Keeper
11 - William Tell Overture-Abridged
12 - Suicide Scherzo (9th Symphony, Second Movement-Abridged)
13 - 9th Symphony, Fourth Movement-Abridged
14 - Singin' In the Rain
15 - Funeral Music for Queen Mary
16 - Scheherazade - The Story of the Kalandar Prince

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Os Pássaros - 1963

Um clássico do suspense

O diretor Alfred Hitchcock mostra um maciço, constante e por vezes mortal ataque de diversos pássaros nos arredores de uma isolada comunidade. Com Jessica Tandy e Veronica Cartwright. Recebeu uma indicação ao Oscar.

Sinopse
A pacata cidade de Bodega Bay, na Califórnia, vive momentos de terror quando milhares de pássaros se instalam na localidade e começam a atacar as pessoas.

Premiações
- Recebeu uma indicação ao Oscar, na categoria de Melhores Efeitos Especiais.


Curiosidades
- O diretor Alfred Hitchcock tentou convencer o roteirista Joseph Stefano, com quem trabalhara em Psicose, a escrever o roteiro de Os Pássaros, mas ele não se interessou pela história.

- A atriz Tippi Hendren chegou a sofrer um corte no rosto por um dos pássaros, durante as filmagens de uma cena do filme.

- Os Pássaros não possui trilha sonora. Por causa disto, o compositor Bernard Herrman, colaborador de Hitchcock em grande parte de seus filmes, aparece nos créditos apenas como "consultor de som".

- O pôster original de Os Pássaros causou uma grande controvérsia na Inglaterra, por causa do slogan "The Birds is coming", que gerou protestos por parte dos professores britânicos.

- No final de Os Pássaros não aparece o tradicional "The End", por opção do próprio Alfred Hitchcock. A intenção do diretor era passar ao público a impressão de que havia um terror sem fim no filme.

Ficha Técnica
Título Original: The Birds
Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 114 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1963
Estúdio: Universal Pictures / Alfred J. Hitchcock Productions
Distribuição: Universal Pictures
Direção: Alfred Hitchcock
Roteiro: Evan Hunter, baseado em estória de Daphne Du Maurier
Produção: Alfred Hitchcock
Direção de Fotografia: Robert Burks
Desenho de Produção: Robert F. Boyle
Figurino: Edith Head
Edição: George Tomasini


Elenco
Rod Taylor (Mitch Brenner)
Jessica Tandy (Lydia Brenner)
Suzanne Pleshette (Annie Hayworth)
Tippi Hedren (Melanie Daniels)
Veronica Cartwright (Cathy Brenner)
Ethel Griffies (Sra. Bundy)
Charles McGraw (Sebastian Sholes)
Ruth McDevitt (Sra. MacGruder)
Lonny Chapman (Deke Carter)
Doodles Weaver (Pescador)
Malcolm Atterbury (Deputado Al Malone)
Alfred Hitchcock (Homem saindo da loja de animais com cães)

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quarta-feira, 25 de fevereiro de 2009

A Doce Vida - 1960

Obra-prima de Fellini

Um jornalista que escreve em jornais sensacionalistas passa a cobrir a visita de uma atriz de Hollywood ao seu país, ficando fascinado por ela. Dirigido por Federico Fellini (8 e Meio) e com Marcello Mastroianni no elenco. Vencedor do Oscar de Melhor Figurino - Preto e Branco.

Sinopse
Em Roma Marcello Rubini (Marcello Mastroianni) é um jornalista que escreve fofocas para os tablóides sensacionalistas. Ele anseia ser um escritor sério mas, como tantos, nunca consegue escrever qualquer coisa mais profunda além do que ele normalmente escreve para viver. Em uma boate Marcello conhece uma herdeira rica, Maddalena (Anouk Aimée), que sofre por sentir um enorme tédio pois tudo a chateia, e ela constantemente está à procura de excitações novas. Juntos pegam uma prostituta e passam a noite fazendo um menage à trois no quarto da meretriz. Quando Marcello volta para casa encontra sua costumeira amante, Emma (Yvonne Furneaux), que tinha tomado uma overdose de pílulas para dormir. Marcello se apressa em levá-la até o hospital onde ele fica seguro que Emma se recuperará, apesar dela estar ainda muito deprimida. Marcello então corre para cobrir no aeroporto a vinda de Sylvia Rank (Anita Ekberg), uma nova atriz de Hollywood. Logo Marcello fica mais íntimo de Sylvia e é tudo que ele deseja, pois está totalmente fascinado pela beleza dela. Assim percorrem juntos os pontos turísticos de praxe, como a Praça de São Pedro, as Termas de Caracalla e a Fonte de Trevi, onde ela resolve tomar um banho com roupa enquanto Marcello tentava achar leite para um gatinho, que Sylvia tinha visto nas ruas. Ao retornar Marcello vê Sylvia se banhando e se deslumbra, principalmente quando ela o convida para tomar banho com ele. Mas ao voltarem da fonte a situação fica desagradável, pois Robert (Lex Barker), o noivo de Sylvia, a esbofeteia e faz o mesmo com Marcello, que não revida.

Premiações
- Ganhou o Oscar de Melhor Figurino - Preto e Branco, além de ter sido indicado em outras 3 categorias: Melhor Diretor, Melhor Roteiro Original e Melhor Direção de Arte - Preto e Branco.

- Recebeu uma indicação ao BAFTA na categoria de Melhor Filme.

- Ganhou a Palma de Ouro, no Festival de Cannes.


Curiosidades
- O produtor Dino De Laurentiis deixou o projeto após o diretor Federico Fellini se recusar a escalar o ator Paul Newman como o personagem Marcello Rubini.

- O filme criou o termo "paparazzi", que acabou sendo incluído no vocabulário mundial.

Ficha Técnica
Título Original: La Dolce Vita
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 167 minutos
Ano de Lançamento (Itália): 1960
Estúdio: Riama Film / Société Nationale Pathé Cinéma / Pathé Consortium Cinéma / Gray-Film
Distribuição: Astor Pictures Corporation
Direção: Federico Fellini
Roteiro: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli e Brunello Rondi
Produção: Giuseppe Amato e Angelo Rizzoli
Música: Nino Rota
Fotografia: Otello Martelli
Desenho de Produção: Piero Gherardi
Figurino: Piero Gherardi
Edição: Leo Cattozzo


Elenco
Marcello Mastroianni (Marcello Rubini)
Anita Ekberg (Sylvia Rank)
Anouk Aimée (Maddalena)
Yvonne Furneaux (Emma)
Magali Noël (Fanny)
Alain Cuny (Steiner)
Annibale Ninchi (Pai de Marcello)
Walter Santesso (Paparazzo)
Valeria Ciangottini (Paola)
Riccardo Garrone (Riccardo)
Ida Galli (Debutante do Ano)
Audrey McDonald (Sonia)
Alain Dijon (Frankie Stout)
Lex Barker (Robert)
Download - parte 1 parte 2 parte 3 parte 4 parte 5 parte 6 ou arquivo único aqui

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O Terceiro Homem - 1949

A repetina morte de um amigo faz com que um escritor decida por investigar o caso por conta própria. Dirigido por Carol Reed (Trapézio) e com Joseph Cotten, Orson Welles e Trevor Howard no elenco. Vencedor do Oscar de Melhor Fotografia - Preto e Branco.

Sinopse
O escritor de romances policiais desempregado Holly Martins desembarca na Viena do pós-Segunda Guerra a convite de um ex-colega, Harry Lime, que lhe oferecera um trabalho. Ao chegar, porém, descobre que Lime havia morrido dias antes num estranho acidente automobilístico. Intrigado pela inconsistência das informações que amigos e ex-sócios de Lime dão sobre o ocorrido, o escritor decide investigar o que realmente se passou.

Premiações
- Ganhou o Oscar de Melhor Fotografia - Preto e Branco, além de ter sido indicado nas categorias de Melhor Diretor e Melhor Edição.

- Ganhou o BAFTA de Melhor Filme Britânico, além de ter sido indicado na categoria de Melhor Filme.

- Ganhou o Grande Prêmio do Festival de Cannes.


Curiosidades
- O produtor David O. Selznick inicialmente queria que Noel Coward interpretasse o personagem Harry Lime. Orson Welles apenas foi contratado por insistência do diretor Carol Reed.

- Carol Reed queria que James Stewart interpretasse o personagem Holly Martins. A escolha por Joseph Cotten foi uma exigência do produtor David O. Selznick, que tinha o ator sob contrato na época das filmagens.

- O roteirista Graham Greene baseou o personagem Harry Lime no agente britânico Kim Philby, que foi o superior do próprio Greene no Serviço Secreto de Inteligência Britânico.

- Quando acertou sua participação em O Terceiro Homem foi oferecido a Orson Welles que ele recebesse um alto salário por sua atuação ou uma porcentagem dos lucros que o filme tivesse nas bilheterias. Welles escolheu receber um salário, mas ao perceber que o filme iria se tornar um grande sucesso tentou, sem conseguir, mudar seu pagamento para a porcentagem nos lucros.

- Entre 1951 e 1952 Orson Welles estrelou uma série de rádio que narrava as aventuras de seu personagem em O Terceiro Homem, antes dos eventos mostrados no filme.

- O Grande Prêmio do Festival de Cannes, que foi ganho por O Terceiro Homem, era o equivalente da época à Palma de Ouro, que apenas passou a ser entregue a partir de 1955.

Ficha Técnica
Título Original: The Third Man
Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 105 minutos
Ano de Lançamento (Inglaterra): 1949
Estúdio: London Film Productions / British Lion Film Corporation
Distribuição: Lion International Films / Canal+ / Selznick Releasing Organization
Direção: Carol Reed
Roteiro: Graham Greene, baseado em estória de Graham Greene e Alexander Korda
Produção: Carol Reed, Alexander Korda e David O. Selznick
Música: Anton Karas
Fotografia: Robert Krasker
Direção de Arte: Vincent Korda, John Hawkesworth, Joseph Bato e Dario Simoni
Figurino: Ivy Baker
Edição: Oswald Hafenrichter


Elenco
Joseph Cotten (Holly Martins)
Alida Valli (Anna Schmidt)
Orson Welles (Harry Lime)
Trevor Howard (Major Calloway)
Bernard Lee (Sargento Paine)
Ernst Deutsch (Barão Kurtz)
Siegfried Breuer (Popescu)
Erich Ponto (Dr. Winkel)
Wilfrid Hyde-White (Crabbin)

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Relíquia Macabra - 1941

Cinema noir

Após uma linda mulher lhe oferecer uma pequena fortuna para recuperar uma estátua, um detetive se envolve no mais incrível caso de sua carreira. Dirigido por John Huston (Cassino Royale) e com Humphrey Bogart e Mary Astor no elenco. Recebeu 3 indicações ao Oscar.

Sinopse
Um detetive particular (Humphrey Bogart) é procurado por uma mulher misteriosa (Mary Astor), que alega estar sendo ameaçada. Mas tanto o seu perseguidor quanto o homem encarregado de protegê-la aparecem mortos e tudo gira em torno de uma estátua de falcão de valor incalculável.

Premiações
- Recebeu 3 indicações ao Oscar, nas seguintes categorias: Melhor Filme, Melhor Ator Coadjuvante (Sydney Greenstreet) e Melhor Roteiro.


Curiosidades
- Relíquia Macabra foi o filme de estréia do ator Sydney Greenstreet no cinema e também de John Huston na direção.

- O ator George Raft havia sido inicialmente contratado para interpretar o detetive Sam Spade, mas terminou abrindo mão do papel por considerar que Relíquia Macabra não seria um filme importante, utilizando para isto uma cláusula em seu contrato que o desobrigava a atuar em refilmagens.

- A referência a William Shakespeare que surge ao final do filme foi uma sugestão do ator Humphrey Bogard.

- Filmado anteriormente como O Falcão Maltês (1936) e Satan Met a Lady (1931).

- Também lançado em vídeo no Brasil com o nome O Falcão Maltês.
Ficha Técnica
Título Original: The Maltese Falcon
Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 100 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1941
Estúdio: Warner Bros. / First National Pictures Inc.
Distribuição: Warner Bros.
Direção: John Huston
Roteiro: John Huston, baseado em livro de Dashiell Hammett
Produção: Henry Blanke e Hal B. Wallis
Música: Adolph Deutsch
Fotografia: Arthur Edeson
Direção de Arte: Robert M. Haas
Figurino: Orry-Kelly
Edição: Thomas Richards


Elenco
Humphrey Bogart (Sam Spade)
Mary Astor (Brigid O'Shaughnessy)
Gladys George (Iva Archer)
Peter Lorre (Joel Cairo)
Barton MacLane (Detetive Dundy)
Lee Patrick (Effie Perine)
Sydney Greenstreet (Kasper Gutman)
Ward Bond (Detetive Tom Polhaus)
Jerome Cowan (Miles Archer)
Elisha Cook Jr. (Wilmer Cook)

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